摄影美学将印象派绘画方法融入你的照片修图中

今天我们就来看看一张照片修图前后的对比,聊聊后期制作过程中一个有趣的话题。

后期修图是摄影师工作流程中非常关键的一个环节。 之所以说一个摄影师有自己的风格,或者说他的电影有很强的个人色彩,除了前期拍摄的固有技术之外,后期制作的技术也起着决定性的作用。

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这里所说的后期技术,是摄影师发展起来的一套后期剪辑方法论。 这是一个活生生的想法,可以应用于所有的照片处理,并根据需要创造出不同的效果。 这并不意味着应用某些过滤器。 应用过滤器就像我们学习时“记住答案”一样。 我们不知道如何解决问题,但只知道答案。 我们在考试的时候经常会被蒙蔽。

后期的方法论无法仅用一篇短文来详细解释,但今天我们可以对比这两张图,从一个有趣的角度进行解读,或许会给你的后期注入新的启发。

看一下文章开头的两张图片。 图1是典型的数码单反相机的胶片效果。 晴天的树荫下,色彩平淡,画面无精打采。 图2,鲜明的色彩给画面带来了生动、真实的感觉。 让人不禁感叹,这是一个真正的晴天,一个明媚、丰富、绚丽、多彩的晴天。 图1看起来就像是一个雾蒙蒙的日子。

但实际上,图1是实际拍摄的原片,图2是经过PS的,也就是后期处理的。 但为什么明天图1是原图,图2却看起来是真的呢?

除了写实感之外,2的色彩也是亮眼夺目。 图一中原本未被注意到的绿色、红色、肤色似乎突然苏醒,竞相挤进观众的眼帘。 它们极其生动。

如何获得如此丰富的色彩? 只靠饱和度? 看起来图2的色彩饱和度更高,但是仅仅提高饱和度就能达到我们想要的效果吗?

(下图是只增加饱和度的效果)

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在回答这两个问题(问题1、写实性问题2、色彩丰富度)之前,我先给大家分享几幅我非常喜欢的印象派画家克劳德·莫奈的作品。 他的日出印象、他的睡莲、他著名的干草堆。 每次去欧洲旅行,我都不会错过展示他原创作品的美术馆和博物馆。 我常常被他的作品所吸引,被丰富的色彩和逼真的光影所吸引。

因为丰富的色彩、真实的光影也是我所追求的。

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你有没有注意到,在印象派作品中,画面中的阴影并不是黑色的。 印象派是一个以素描为主的绘画流派。 在他之前的古典绘画流派经常在工作室里完成作品,而印象派画家则经常在真实的光影环境中观察风景并快速临摹和素描。 这其实和摄影有些不同。 相似的。 印象派画家在观察中发现,阳光下真实的阴影并不是我们想象中的黑色,而是略带蓝色、略带紫色。 这一发现被广泛运用在莫奈的作品中。 在他的作品中你甚至看不到黑色。 所有的阴影部分,干草堆的反面,伦敦桥的影子,池塘的影子,都涂上了各种深色。 以蓝色和紫色的色调表现出来,虽然夸张,但更接近真实的光影感。 他堪称光影写生大师。

于是受到印象派绘画的启发,当我想表现阳光下真实的阴影时,我也尝试在阴影中加入蓝紫色,以减少画面中的黑色量。 没想到,事情发生了,画面的色彩变得更加饱满,更加接近肉眼所看到的场景光影。

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摄影和绘画一样,是一门需要观察和思考的艺术。 但由于绘画总是从头开始,它迫使人们进行更深入的思考。 摄影则不同。 按快门的速度实在是太快了。 这样的速度有时会让我们变得漫不经心,停止观察和思考,成为“快门机器人”。 这样,我们就失去了创造的乐趣,变成了机器。 仆人,可惜了。

今天我举这样一个小例子,希望能够作为一个起点,让大家打开摄影对美学的思考之门,让更多古典艺术殿堂中的瑰宝在我们的拍摄灵感中熠熠生辉。 艺术不分新旧,没有界限、没有障碍。 作为一个艺术大家庭的孩子,你我都应该吸取前辈大师的知识和营养,融会贯通、提高提高,从而丰富自己的创作之路。

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